Orquestación para toda la familia (1) : Introducción y pasos previos

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Sé de buena tinta que a mucha gente, le gustaría saber enfrentarse a un arreglo orquestal, pero que no se atreve por parecer una tarea muy dificultosa y sólo apta para genios o para gente que lleva toda la vida estudiando para ello. Haciendo honor a la verdad, llegar a lo que llegaron los grandes de la música clásica, es algo vetado a unos pocos elegidos (ni de lejos, estudiando la carrera de composición, se asegura uno tal cosa) pero sin embargo, crear un arreglo orquestal que funcione perfectamente y que pueda llegar a ser tocado, es algo más sencillo de lo que parece, siempre que entendamos bien en que consiste. Evidentemente, esta guía no es el colmo de la corrección, pero si un buen punto de partida para llegar a defendernos en el asunto (o al menos hacer que de el pego) así que allá vamos:

1) CONOCIMIENTOS PREVIOS NECESARIOS:

  • Saberse los acordes básicos de guitarra en afinación standard. Con esto me refiero a las posiciones típicas que se tocan entre los trastes 1º y 4º.
  • Poder conectar un teclado MIDI al ordenador (y hacer que suene algo, claro). Si este punto no es posible por no disponer de dicho teclado, al menos cumplir el siguiente punto.
  • Saber pintar las notas en el piano roll que cualquier D.A.W incluye.
  • Tener algo de cultura musical…y por descontado, algo de paciencia.

2) RESUMEN DE ESTAR POR CASA, DE QUÉ NARICES ES UN ARREGLO ORQUESTAL

El fallo que hay con esto, es entenderlo como algo esotérico y fuera del conocimiento del común de los mortales, cuando no es del todo cierto. Hacer un arreglo para orquesta clásica, no se diferencia demasiado de hacer una arreglo para una banda de rock, sólo que es una banda de rock, en que además de guitarra, bajo, batería y cantante, hay más cosas añadidas. Las cosas añadidas, podrían ser :

  • Un segundo guitarrista, que hace adornos varios, respuestas, segundas voces…a lo que hace el primer guitarrista.
  • Un segundo cantante, que hace coros y segundas voces al cantante principal (o hace respuestas en según que partes de la letra)
  • A partir de aquí lo que quieras, propongo varias opciones, no siendo las únicas posibles:

+ Un pianista o alguien tocando el órgano hammond. En un arreglo orquestal por supuesto que podría haber piano, pero el órgano hammond (siempre que no hablemos de fusionar estilos), sería sustituído por un órgano de tubos. Si queremos darle un toque “barroco” al asunto, el piano puede ser sustituído por un clavicordio.

+ Una sección de vientos, que responde y complementa las melodías de los cantantes/otros instrumentos, tal como lo harías en un arreglo tipo BIG BAND.

+ Un coro en plan épico, por supuesto, rollo wagneriano, rollo operístico…como más te plazca.Sabrás de sobra lo que es, porque esto se usa (y se abusa) en un montón de bandas sonoras de películas, de anuncios…ya me entiendes.

+ Lo que me haya dejado, que ahora no me haya venido a la cabeza.

Hay un asunto que en este tutorial no vamos a tratar, y ese es la textura contrapuntística, por la sencilla razón de que tal cosa, requiere un estudio muy detallado y serio, que escapa por completo a la intención de esta guía. Aun así, no descarto en un futuro, buscarme las mañas para explicar esto de una manera relativamente asequible y sencilla, pero por si acaso, no prometo nada. Para quienes no lo supieran, la textura contrapuntística, es la que se encuentra en formas musicales bastante complejas, como la FUGA (siendo J.S BACH su compositor más representativo) y otras más sencillas como el CANON (seguro que el de Johann Pachelbel, estás harto de oirlo).

 

3) COSAS BÁSICAS QUE SE HAN DE TENER EN CUENTA.

  • Las notas eternas evítalas, por favor (o casi siempre).

En las librerías de instrumentos orquestales, como en la de muchos sintes, samplers, romplers, tarjetas de sonido etc etc…sonidos como los del violín, cello, instrumentos de viento, coros…vienen con un loop hecho en cada uno de sus samples, para que dicho instrumento no deje de sonar hasta que de una manera o de otra, no le des la orden de que deje de hacerlo. En la realidad, los únicos instrumentos que por su naturaleza pueden hacer notas de duración indefinida son el órgano de tubos y los sintetizadores. Es cierto que un buen intérprete de cello (por decir un ejemplo) puede cambiar la dirección del arco sin que apenas se note, pero aun así es algo que se debería de evitar a la hora de escribir para orquesta. Por supuesto, que un flautista tiene límite en sus pulmones (lo de la respiración continua es algo que muy poca gente sabe hacer) y no hablemos ya de un cantante, así si quieres un mayor realismo, aunque estés haciendolo todo con instrumentos virtuales, ten esto muy en cuenta. Lo de las notas eternas, hay maneras corrrectas de hacer algo parecido en una orquesta real, cosa que explicaré más adelante.

– La percusión no es como el rock (o no del todo).

Salvo que vayamos a fusionar estilos, la percusión en los arreglos orquestales, no es un TU PA TU TU PA, o dicho de manera menos absurda: no consiste en un groove más o menos repetitivo que acompaña todo el tema. Se trata más bien de un apoyo a los acentos y a las subidas de la música. Hay algo relativamente parecido a la función del “groove” rockero, que es cuando se usa la percusión rollo banda militar. Dicho de otra manera, es el modo en el que se usa la percusión en las bandas (municipales o no) de viento.

– Y ahora, escucha mucha música y con toda la atención posible.

Puede que tengas un gran colección de música clásica, de bandas sonoras o de ambas cosas, pero…¿De qué manera has escuchado? Para lo que voy a proponer ahora, coge una sola pieza, o un sólo movimiento de alguna de tus obras preferidas, y escucha varias veces, en cada una de ellas, fijándote en los siguientes elementos:

  1. ¿Hay mucha percusión? ¿Cuando entra? ¿Qué hace? ¿Qué instrumentos crees que hay? Si la percusión es testimonial o directamente no hay, pasa al siguiente punto.
  1. Acompañamiento de acordes/armonía : ¿Qué instrumento/instrumentos lo hacen? ¿Lleva un ritmo distinto a la melodía, o es el mismo? ¿Tienes la sensación de que dentro del propio acompañamiento, otros instrumentos hacen respuestas a dicho acompañamiento (que no a la melodía)? Respecto a esta última pregunta, un simil podrían ser dos guitarristas de heavy metal, uno haciendo la rítmica principal y el otro añadiendo adornos a esa rítmica.
  1. Melodía principal: ¿Una sola voz, o parece que hay varias? Si hay varias voces: ¿Van al mismo ritmo que la principal, o llevan uno distinto que complementa al de la primera voz?
  2. Melodías de respuesta que complementan a la melodía original (contracantos): ¿En los huecos, bien de notas largas, o bien de silencios que deja la melodía principal, hay una melodía de respuesta que rellena dichos huecos? ¿En estas melodías de respuesta, hay varias voces al igual que en la melodía principal?

Y hasta aquí la parte introductoria de este tutorial antes de meternos en harina. No se arranquen los ojos la gente académica, esto no pretende sustituir la formación que se da en un conservatorio, sólo se pretende echar un cable a gente de otros ámbitos musicales, que quieren acercarse al terreno de la música orquestal, pero nunca han sabido muy bien por donde atacar el asunto. Dada la intención de este manual, creo que es lógico perdonar que algunos términos, no se expliquen de una manera del todo detallada, si no a rasgos muy generales.

Espero que la lectura haya sido de provecho y me despido hasta la siguiente parte del tutorial:

ARMONÍA CLÁSICA-BÁSICA PARA SALIR DEL PASO.

Salud!!!!

Y aquí os dejo con esta pieza archiconocida, que a nivel de arreglos tiene de casi todo lo que he hablado en el texto:

 

5 Comentarios

  1. Muy interesante el blog. He estudiado y sigo estudiando clásico y la armonía o el análisis me parecen fantásticas como herramientas en un estudio o como recursos para darle un toque mucho más interesante a los temas.
    Espero las siguientes entregas!!

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